Le 5 du 5, le 5 mai, le jour d’un défilé de Coco Chanel. Une date porte-bonheur, un fétiche fait parfum. La magie est là encore intacte, 90 ans plus tard. Discrète et digne, la vieille dame ne clame pas son âge et pourtant elle a de quoi être fière. N°5 plutôt abonné au N°1, le N°5 de Chanel est sans aucun doute le parfum le plus célèbre du monde. Si son succès planétaire s’explique en partie par la renommée de Coco, Marilyn y a ajouté quelques gouttes de célébrité, elle qui disait qu’elle dormait juste habillée de quelques gouttes de N°5.

Photo Ed Feingersh © Michael Ochs Archives

Une fragrance

Visionnaire et audacieuse Coco Chanel en 1921 imagine de lancer un parfum à son nom. Elle choisit de travailler avec le parfumeur Ernest Beaux lui demandant « un parfum qui rendrait jaloux même les autres parfumeurs ». Ernest Beaux lui compose des variations autour de bouquets de fleurs. Il choisit les ingrédients des plus belles qualités, mais a l’impression que le résultat reste « au fond du flacon ». Pour « donner du montant », il a alors l’idée originale d’ajouter une surdose d’aldéhydes. Ce composant chimique étonnant n’est pas par son odeur d’une séduction absolue (assez métallique), mais son association avec d’autres éléments les magnifie, les transfigure, les « booste ». Jacques Polge, parfumeur maison pour Chanel, crée les nouveautés et oeuvre en gardien du temple, veillant à la pérennité du N°5. Il explique que cette idée d’aldéhyde serait comme poser une touche de citron sur des fraises. « Les aldéhydes concourent à brouiller les pistes et participent à l’abstraction des notes » ajoute-t-il.

Originale la fragrance n’est pas un bouquet facile (et pas forcément plaisante en tests aveugles !), mais une construction complexe. Parmi les composants du N°5, se révèle un bouquet de fleurs : rose, ylang-ylang, jasmin et bois de santal avec des matières premières des qualités les plus belles. Après l’extrait imaginé pour la préciosité de son geste avec parcimonie, fut composée une eau de toilette, puis une eau de parfum et enfin, petite dernière tout en fraîcheur et juvénile, l’Eau première, magnifique travail de réécriture composé par Jacques Polge, « une version plus fraîche, plus facile, plus transparente. »

Un nom

La légende du N°5 doit aussi beaucoup à son nom. En rupture avec les noms de parfums descriptifs de fleurs, soliflores, bouquets composés ou encore des fantaisies d’inspiration orientale, Coco Chanel choisit la simplicité, l’épure mathématique et abstraite d’un chiffre. La légende du N°5 correspondrait aussi, presque par choix de superstition au cinquième essai proposé par Ernest Beaux et au souvenir d’un défilé du 5 mai. Le flacon, imaginé par Coco Chanel, opte pour une forme simple, géométrique, épurée. Il évoluera très peu.

Son élégance classique s’abrite dans un étui blanc liséré de noir (en exposition dans la section design du MOMA de New York depuis très longtemps), un des codes d’identité de Chanel.

Photo François Kollar © Ministère de la Culture – Médiathèque du Patrimoine, Dist. RMN

Un mythe

Présence et mystère, le N°5 restera à jamais un grand parfum. S’il conserve son aura de luxe, le N°5 est aussi passé par la case arty et pop d’Andy Warhol qui en a peint différentes versions, soupe Campbell du luxe.

© 1997 CHANEL. © ANDY WARHOL FOUNDATION. A partir de sérigraphies d’Andy Warhol.

Au service du N°5 se sont succédées des égéries, connues et reconnues, actrices de renom dans des campagnes publicitaires signées des plus grands réalisateurs : Ridley Scott (Carole Bouquet au bord d’une piscine), Jean-Paul Goude (étonnant morphing où Carole Bouquet devient Marilyn et où la boucle est ainsi bouclée), Baz Luhrmann (Nicole Kidman en star sur tapis rouge) jusqu’a Jean-Pierre Jeunet avec Audrey Tautou en voyage dans l’Orient Express.

CHANEL – photographe Dominique ISSERMANN

Sans oublier l’exquis petit chaperon rouge qui domine les loups, un film réalisé par Luc Besson sur un scénario dessiné par Manara.

Happy Birthday N°5 pourrait susurrer Marilyn…

Créateur majeur de la mode française, Jean Paul Gaultier a débuté par le prêt-à-porter avant d’ajouter l’activité haute couture en 1997. Pour le développement de sa maison, il s’était associé à la maison Hermès qui vient aujourd’hui de céder ses parts au groupe Puig.

C’est en 1999 que débute l’alliance entre Jean Paul Gaultier et Hermès avec, à l’époque, Jean-Louis Dumas. La maison devient actionnaire et les liens se renforcent encore sur le terrain de la création quand Jean Paul Gaultier devient le directeur artistique du prêt-à-porter féminin d’Hermès (de l’automne-hiver 2004 au printemps-été 2011). Aujourd’hui la maison Hermès vient de céder la totalité de ses parts (45%) au groupe espagnol Puig. Dans le communiqué, il est précisé qu’il s’agit de l’intégralité de la participation (16M€) ainsi que du  remboursement des prêts consentis (14M€), soit un profit comptable pour la maison de 30M€.

Le groupe Puig devient ainsi actionnaire majoritaire. Manuel Puig devient le président tandis que Jean Paul Gaultier demeure directeur de la création et de l’image. Le groupe Puig poursuit ainsi le développement de ses activités mode avec déjà Carolina Herrera, Nina Ricci et surtout le relancement, après une éclipse, de Paco Rabanne avec le choix audacieux de l’Indien Manish Arora (à découvrir en octobre pour le printemps-été 2012).

En 2010 le groupe Puig a réalisé un chiffre d’affaires de 1.2 milliards d’euros avec une progression de 22%.

Le groupe espagnol et familial a surtout une grande expertise et de beaux succès en parfumerie dans son pays et à l’international. Il développe notamment les marques Paco Rabanne (les classiques et les nouveaux One Million et Lady Million), Prada (des parfums plus confidentiels, mais extrêmement raffinés), Nina Ricci (L’air du temps récemment revisité par Philippe Starck, succès de Nina…). Il gère aussi un partenariat de distribution avec les parfums Comme des garçons.  S’est ajoutée cette année la signature d’une licence avec Valentino (avant dans le giron P&G). De son côté Jean Paul Gaultier a lui aussi une activité parfum très réussie, brillamment développée par B.P.I. (Beauté Prestige International). La filiale de Shiseido a initié de jolis succès en parfumerie  avec les noms d’Issey Miyake, Narciso Rodriguez et bientôt Elie Saab. Chez Jean Paul Gaultier, le Classique est incarné par un buste de femme posé dans une boîte de conserve (souvenir de la création d’un bracelet JPG, objet de récupération très pop). S’ajoute le succès planétaire du masculin Le male, une composition de Francis Kurkdjian et un flacon anthropomorphe aux allures de marin. L’activité parfums attachée au nom de Gaultier est sûrement aussi très intéressante pour le groupe Puig, mais il faudra peut-être attendre…

Visuel : Modèle de la dernière collection Hermès signée JP Gaultier.

Avec une silhouette désormais light, Karl Lagerfeld habille la dernière livraison des bouteilles de Coca Cola. Après une première version en 2010, le créateur signe aujourd’hui trois nouvelles bouteilles aluminium colorées et très pop  imaginées pour les trois héroïnes égéries de Coca-Cola Light.

Pour Bernadette (elle est très chouette), une bouteille qui se définit comme « romantique et moderne » avec des pois gris métallisé sur un fond métal. Pour Eléonore, des effets quasi psychédéliques se déroulent en spirale zébrée rose sur fond blanc. La troisième est pour Irène, plus rock, avec des étoiles noires façon clous sur fond métallique. Les trois motifs ont été placés sous l’ombre tutélaire, en silhouette, de K. L.

Numérotée de 1 à 3, la collection est aussi interprétée par  trois mannequins réels : Coco Rocha, Heidi Mount et Jeneil Williams. Un effet mode et collector pour le prix d’un drink, Karl L. en prime.

Création, direction artistique, production et campagne publicitaire par Wolkoff et Arnodin.

Si le nom de Christian Lacroix est à jamais inscrit dans l’histoire de la mode en France, le couturier protéiforme a aussi souvent associé son nom et ses talents (dessins notamment) à d’autres secteurs. Les illustrations d’un dictionnaire Larousse, un TGV, des uniformes, la décoration d’hôtels…

Pour la bière 1664, incarnant le « Goût à la française », les Brasseries Kronenbourg ont choisi Christian Lacroix, un créateur « à l’élégance typiquement française ». Le couturier a imaginé « traduire les chiffres de 1664 en des formes originales ». Il a composé un décor, des dessins avec des couleurs très cocorico autour du bleu, du blanc, du rouge et d’une touche de noir. Deux nouvelles boîtes collectors, des verres, des sous bocks, des décapsuleurs… Le tout à partir des dessins de Christian Lacroix, fantaisie colorée où se redécouvrent notamment des monuments historiques parisiens comme la Tour Eiffel, le Sacré Coeur, la Colonne Vendôme… Le bleu nuit se zèbre d’éclats rouge et blanc, le rideau se lève sur Paris et la France.

En 1664 Jérôme Hatt obtient sa maîtrise de brasseur, l’année deviendra emblématique des futures brasseries Kronenbourg. A cette évocation du XVIIè siècle Christian Lacroix répond par le choix d’une référence artistique qu’il aime : Les Ménines de Vélasquez, peintes en 1656.

« 1664 concilie l’expression d’une élégance créative, inspirante, cultivée mais sans être pontifiante, ni se prendre au sérieux comme le veut ce produit légendaire. J’oserais dire que c’est une élégance purement française qui s’accorde avec l’esprit chic « popu ». raconte le couturier. Avec son nom, la bière est à la mode.

« Je voulais être sculpteur. Pour moi, c’est la même chose de travailler le tissu ou la pierre » disait Madame Grès dont l’oeuvre est aujourd’hui exposée au Musée Bourdelle.

Hors les murs, l’expression est belle, le musée Galliera, avec son nouveau directeur Olivier Saillard organise une grande rétrospective du travail de Madame Grès. Couturière hors pair, elle a quasi sculpté ses robes sur les corps. A partir d’ébauches minutieuses sur un modèle humain, Madame Grès drape, construit, pose des épingles. Ensuite se déroule un long et patient travail à l’abri des regards.

Germaine Krebs a débuté dans les années trente, d’abord associée à Julia Barton avec qui elle ouvre Alix Barton qui devient en 1934 plus simplement la Maison Alix. Les robes inspirées de l’Antiquité assurent la renommé d’Alix. En 1935 la maison signe les costumes de La guerre de Troie n’aura pas lieu de Giraudoux, mise en scène par Louis Jouvet. En 1939, à l’exposition universelle de New York, est présentée l’esquisse d’une robe sur un bas-relief antiquisant dessinant un corps féminin. Signée Willy Maywald, une magnifique photo reprend la même idée, mais avec un véritable mannequin au sein nu. Work in progress, jeu de corps en statuaire.

Essayage d’un modèle Alix de 1939. Photo Willy Maywald 1954  Assoc. Willy Maywald /ADAGP, Paris 2011

Esayage d’un modèle par Melle Alix 1933. Photo Boris Lipnitzki / Roger-Viollet

Après une mésentente avec ses partenaires et puis ensuite la guerre, Germaine Krebs crée en 1942 sa maison qu’elle baptise à partir de l’anagramme du prénom de son époux, Serge. Ce sera Grès. Pendant la guerre, elle raconte avoir créé une collection en hommage à la France avec des tissus bleu, blanc et rouge. Ces tons se retrouvent dans tous les dessins des années 43 et 44. En 1945, elle participe au petit théâtre de la mode qui présentait de façon itinérante la couture sur des mannequins de bois, en modèles réduits. Au cinéma, elle signe en 1945 une partie des costumes (avec Elsa Schiaparelli) de l’admirable Dames du bois de Boulogne de Bresson, en habillant Maria Casarès.

Déjà passionnée par l’Orient pendant sa période Alix, elle le retravaille encore, différemment, mettant à l’honneur une « manche kimono » à la fin des années 40. Plus tard, après un voyage en Inde en 1958, elle imagine une collection inspirée de ses découvertes orientales et se profileront des robes sari. L’Inde lui inspire aussi son premier parfum : Cabochard, un nom qui signe sa personnalité.

Madame Grès « travaille », selon une expression qu’elle affectionne. Elle construit de façon minutieuse et précise des robes de haute couture. Avec une paradoxale simplicité, ses modèles sont remarquablement travaillés. « Je ne crée jamais une robe à  partir d’un croquis. Je drape le tissu sur un mannequin, puis j’étudie à fond son caractère et c’est alors que je prends mes ciseaux. La coupe est la phase critique et la plus importante de la création d’une robe ». La réalisation d’un plissé est une prouesse, ainsi le jersey dit Alix d’une largeur de 280cm se réduit à une largeur de 7cm, par effet de plissés minutieusement cousus dans le droit fil. Ce pli formé pendant la construction, puis ensuite cousu, portera le nom de la couturière : pli Grès. Si les drapés qualifient son emblématique signature, elle s’insurge parfois de leur importance : « On parle toujours de mes drapés ! Bien sûr, ils existent, mais il n’y a pas que cela. D’ailleurs, je n’en présente jamais plus de deux ou trois par collection sur soixante modèles. »

Stéphane Piera / Galliera / Roger-Viollet

En 1957, elle participe à l’évolution de la mode vers le prêt-à-porter et imagine Grès spécial, des vêtements aux lignes simples, épurées et plus tard en 1962 Grès Mademoiselle, pour les jeunes filles.

En 1986 elle réussit à coudre, à plus de 80 ans, une robe sans couture dans une pièce de tissu tubulaire à l’aide de ciseaux pour ouvrir des espaces pour le passage de la tête et des bras.

En 1988 elle offre une de ses dernières robes à Hubert de Givenchy qui raconte qu’elle lui confia : « J’adore tellement les robes que j’aurais voulu ne jamais les vendre, mais les donner. »

Madame Grès avait des rêves de sculpture et s’est particulièrement intéressée à la période hellénistique et aux chefs d’oeuvre de l’art indien.

Aujourd’hui son travail est confronté à un des maîtres de la sculpture. Présentées de façon très simple avec des supports de sculpture, ses robes composent une merveilleuse rencontre avec les oeuvres de Bourdelle. Dans un parcours enchanteur, le tissu répond à la pierre, au plâtre avec grâce. Si Bourdelle ne s’est pas véritablement intéressé à la mode, il appréciait les costumes traditionnels, les ballets russes, suédois… Dans la rue, le sculpteur observe, décrit. A Marseille, il imagine les femmes : « Cariatides du vent ». Il s’amuse à imaginer les lignes des vêtements sur les corps : « Leurs cuisses rondes en colonnes avec, en chapeau souverain, les hanches fortes toutes en lignes de douceur » ou encore : « Leurs jupes à mille plis à flots d’étoffe de laine, à raies verticales, rythmaient leurs reins ». Toute une collection de photographies est conservée au musée, clichés de vêtements drapés pour étudier leur tombé sur le corps. Le sculpteur a réalisé des oeuvres où le drapé, en pierre, s’exprime avec élégance. Là aussi la sculpture a rejoint la mode.

Modèle Alix 1934 Studio Dorvyne /FNAC/ Centre nat. des arts plastiques /Ministère de la culture

Magnifique, la rétrospective réussit à faire oublier la triste fin de la maison quand elle fut en partie rachetée par Bernard Tapie en 1984. La légende de madame Grès raconte qu’elle aurait dit à l’homme d’affaires :  « Moi monsieur, je suis dans les musées, vous n’y serez jamais ». Il n’y eut guère de respect pour le patrimoine de la maison dans la suite. Les locaux furent vidés et une partie des documents jetés dans un camion poubelle ! Revendue à Jacques Esterel, la maison de couture finit dans les mains d’un nouvel acheteur japonais, Yagi Tsuho en 1988. Des créateurs, certains de talent, ont eu pour mission de relancer le nom de Grès. Ainsi de 1995 à 1998 Frédéric Molenac ou encore Koji Tatsuno en 2002. Mais il est parfois (souvent) difficile de relancer une belle endormie.

Il faut courir voir l’exposition d’une grande dame.

Modèle Alix 1938 Photo Arik Nepo /FNAC / Centre nat. des arts plastiques. Ministère de la culture.

Madame Grès. La couture à l’oeuvre. Musée Bourdelle. Jusqu’au 24 Juillet (Palais Galliera hors les murs)

Lègende première photo : Madame Grès posant à côté d’un modèle, 1964. Photo Eugène Rubin.

Quartier d’intello, d’artistes, d’étudiants, la rive gauche parisienne vibre encore dans le souvenir de Saint-Germain-des-Prés. En mode, Rive gauche est une idée d’Yves Saint Laurent, imaginée pour la démocratiser et la rendre plus accessible en style et en coût.

Une exposition de la Fondation Pierre Bergé Yves Saint Laurent retrace ces années Rive gauche. C’est en 1966 qu’est ouverte rue de Tournon la première boutique Rive gauche. Sa décoration a inspiré le parcours de l’exposition. A l’époque, la décoratrice Isabelle Hebey avait recherché : « l’équilibre avec trois points essentiels dans une boutique : l’aluminium, l’orange et pas de blanc, afin que les robes soient prises dans une chaleur enveloppante. » Des oeuvres d’art et pièces de mobilier furent intégrées au lieu : les bancs Djinn d’Olivier Mourgue, un portrait d’Yves Saint Laurent par Arroyo et aussi, à l’extérieur, dans la cour, des sculptures de Niki de Saint Phalle.

Pour Rive gauche, Yves Saint Laurent oublie la couture et crée des codes contemporains pour une femme dynamique. Les femmes actives se retrouveront vite dans cette marque qui devient quasi iconique. Emblématique de son époque, Rive gauche accompagne de façon significative un tournant dans l’histoire de la mode.

Photos Luc Castel

En termes de style, les codes Saint Laurent innervent néanmoins la création Rive gauche. Le vocabulaire masculin nourrit l’esprit : le smoking a changé d’épaules, le pantalon a droit de cité, la robe chemiser se noue d’une cravate… l’une est et sera l’autre.

Photo Sophie Carre

Le trench se féminise, la saharienne quitte la savane pour vivre en jungle urbaine…

Photo Luc Castel

Un style bohême souffle aussi, il rejoindra plus tard les hippies avec les tissus à fleurs.

Photo Luc Castel                                                                    Photo Sophie Carre

La décontraction chic s’incarne avec le style original de Loulou de la Falaise. Sexy, les cuissardes montent le long de la jambe, jusqu’à la cuisse.

Moins spectaculaire que la rétrospective du Petit Palais où les pièces couture régnaient et flamboyaient, l’exposition Rive gauche signe avec un brin de nostalgie colorée le reflet d’une époque où le prêt-à-porter a écrit les premières pages de son histoire, il y a près de 50 ans.

Photos Luc Castel

Entre vins, champagne et parfums, les passerelles sont nombreuses. Autour de deux mondes de senteurs faits pour se rencontrer, Ruinart a développé avec IFF (International Flavors and Fragrance) et le parfumeur Anne Flipo un joli travail sur l’olfaction. Huit arômes ont été sélectionnés pour leurs liens avec Blanc de Blancs, cuvée pur Chardonnay. Ces senteurs se découvrent en aveugle pour le bonheur des sens avant de les rechercher au coeur du champagne.

Au royaume des agrumes figure un citron très pétillant.

Un cédrat, acidulé et amer.

Des fruits.

L’ananas sucré, gourmand.

La pêche avec une tonalité fraîche, mais presque poudrée.

Un pointe d’épices.

La baie rose, petit poivre léger, un peu anisé et sucré.

Le gingembre à la fraîcheur vive.

La cardamome, épicée et douce.

Règne aussi une fleur, animale en diable : le jasmin, puissant et sensuel.

Un coffret permet de vivre l’expérience en sentant les huit matières sélectionnées et au final une création « parfum », interprétation orchestrée par le parfumeur Anne Flipo et le chef des caves Frédéric Panaïotis en hommage à la cuvée Blanc de Blancs.

Sans oublier le champagne !

Quelques sacs ont marqué le XXème siècle et tracent des jalons dans l’histoire de la mode, comme le 69 Paco Rabanne. Face à la pléthore de it bags (réels ou supposés) qui inondent le marché, multipliant les répliques avec plus ou moins de succès (hit bag ?), place à la création.

Si le nom de Paco Rabanne a quitté la mode depuis quelques saisons, il va revenir en force avec la direction artistique confiée au talentueux Manish Arora. En attendant les nouvelles collections, le sac 69 est revisité.

Celui que Coco Chanel avait baptisé le métallurgiste, puisqu’il créait des robes en cotte de maille, a été un des rares à imaginer la mode du futur. Grand explorateur de matières atypiques, il a utilisé le non tissé, le métal, les plastiques, le Rhodoïd… Si en 68 Serge Gainsbourg compose 69 l’année érotique, c’est aussi celle où le premier homme a marché sur la lune et donne à l’époque une vision du futur à l’image de l’odyssée de Kubrick en 1968. Paco Rabanne, lui, imagine son sac du futur, le modèle 69, sélectionné parmi les « 50 sacs qui ont changé le monde ».

A l’époque où il est lancé, période de liberté, de fantaisie, le sac brille par l’éclat des pastilles de métal qui le composent. En bandoulière fut trivialement utilisée une chaîne de chasse d’eau dans une démarche pop (et duchampienne ?).

Aujourd’hui, le sac est relancé par la maison. Fait à la main, il reprend la méticuleuse technique d’assemblage du couturier.

Pour 2011, le 69 est revisité, il conserve sa forme, mais s’habille chaudement : vison tricoté, (noir et marron), une version galuchat (vert malachite), un veau végétal (noir), du nubuck (caramel) et un veau velours (gris ardoise).

Dans ce qui est baptisé le Paco Lab, Judy Blame est le premier designer invité et revisite le fameux 69 en sacs et bijoux. Créateur londonien, il a customisé le modèle, ajoutant des chaînes, des gris-gris, assemblages hétéroclites du renouveau d’un mythe. Chill metal 69 joue les prolongations avec des chaînes hétéroclites dans un code très british punk : lames de rasoir, épingles à nourrices. Pitch Black 69, fourmille de détails adoucissant la punk attitude d’un esprit flower power à motif de fleurs, mais avec aussi des pièces à l’effigie d’une reine anglaise. Manchette Chill metal est un bijou pour le bras revisitant les mêmes codes. Le collier pitch black  reprend le principe de l’assemblage des pièces de métal pour devenir plastron. Et enfin un cinquième modèle, le sac Pampille 69 regroupe dans un anneau les gris-gris,  un porte-bonheur.

Dans la Haute Couture, Christian Lacroix a occupé une place importante et à part pendant une vingtaine d’années. A ses débuts, c’est chez Jean Patou que déjà il signe de magnifiques collections dont celles de l’année 1986 où il reçut un premier Dé d’or. Récompense annuelle, puis biannuelle, le Dé d’or fut décerné de 1976 à 1998. Vivier de talents, la maison Patou vit défiler une pléiade de couturiers et créateurs : Marc Bohan, Jean Paul Gaultier, Angelo Tarlazzi, Jean Rémy Daumas… C’est dans cette maison que Christian Lacroix put, de 1982 à 1987, exprimer son extravagance raffinée et que déjà s’est profilé son style avec ses sources d’inspiration, son goût pour la couleur, l’art… A cette époque les vitrines de la rue Saint Florentin étaient somptueuses.

Ce 27 mars à Drouot a été mise en vente une partie de la collection Haute Couture du printemps-été 1986, année du Dé d’or ; une belle occasion de redécouvrir et d’admirer le style Lacroix. Si les robes les plus extraordinaires ont réalisé de très jolis prix, une partie des modèles était tout à fait accessible. De quoi réjouir les amateurs de Haute Couture et les collectionneurs. Un très joli moment de l’histoire de la mode, à conserver avec une douce nostalgie.

-Passage 58, modèle Vallauris. Un magnifique hommage à Picasso avec un vêtement peint à la main. Sur la jupe en gazar se dessinent des oiseaux bleus (Braque ?). Sur le corsage asymétrique (une manche à rayures) et un visage peint, stylisé, pommettes rehaussées de rose aux joues. 6.500€.

-Passage 47, modèle Iphigénie. La belle antique pose un drapé sur les hanches d’une jupe au bas travaillé en biais. Elle s’enroule d’une étole cape sari en crêpe de soie bouton d’or. Le bustier en broderie magnifie motifs végétaux de fleurs et feuillages en brassière. 6.500€.

-Passage 50, modèle Vertige. Un tissu noir à pois blancs, très couture, pour une robe très Lacroix avec pouf et noeuds. 4.500€.

-Passage 50, modèle Chaldée (le nom Chaldée avait été choisi par Jean Patou pour une magnifique ligne de solaires à la fin des années 20). Pour Christian Lacroix le bustier en broderie (Lesage) se pose sur une jupe de gazar peinte de motif « crétois » noir sur fond ocre. Le bustier, dans la même gamme de couleurs sourdes, est signé Lesage. Une allure ethnique et somptueuse. 7.000€.

Si le nouveau maillot de l’Equipe de France de football plonge dans la rayure blanc bleu aux allures de marin, quelques marques se sont essayées à la réinterprétation d’un iconique et désormais universel motif.

Dans l’exquis ouvrage de Michel Pastoureau consacré à la rayure, L’étoffe du diable, se dessine l’histoire des premières rayures marines. Si elles apparaissent déjà dans des peintures du XVIIè siècle représentant des marins, ce ne sera qu’au XVIIIè siècle que le port de la rayure se codifie pour les matelots. Pourquoi ? L’auteur note le lien avec l’évolution de la bonneterie, mais l’histoire manque de points d’ancrage solides. La rayure a ensuite quitté le large pour s’exposer en bord de mer et zébrer les costumes marins. Sulfureuse, la rayure habille d’un pull le jeune Tadzio de Mort à Venise sous l’oeil de Visconti ; elle signe aussi la trouble allure d’un marin de Querelle vu par Fassbinder.

Cette « étoffe du diable » est souvent péjorative, notamment associée aux bagnards, mais avec humour et dérision de Chaplin aux Dalton. Sportive, elle s’incarne positive, altière. Pour Michel Pastoureau, la rayure sportive obéit à des codes qui sont voisins de ceux des armoiries et des drapeaux. Aujourd’hui le nouveau maillot de l’équipe de France (Nike) coule de l’ancre avec son côté rayé blanc bleu.

Pour célébrer l’esprit de la marinière, des marques de l’univers de la mode s’en sont inspirées et ont zébré quelques propositions. Hermès a oblitéré un carré Brides de gala.

Yves Saint Laurent a habillé de rayures une palette d’ombres à paupières.

Chanel lève l’ancre avec un grand sac.

Un stylo plume Montblanc,

un parfum Comme des garçons (voir ci-dessus), une swatch, une couverture d’IPhone, une boîte de macarons Ladurée, un sac Longchamp… Un inventaire bouteille à la mer sous forme de  collectors, chez Colette dans un corner brise marine et foot jusqu’au 9 avril.